2015-11-23

Películas s xxi que empiezan por P

Estas son las películas que he visto estrenadas en el s xxi. La particularidad es que todas empiezan por P. Son recuerdos, cachitos fílmicos de mi vida
Paris, je t´aimeComedias, dramas, thrillers, acción, animación, ciencia ficción, conforman este listado de cine tanto comercial como independiente. 
Espero que coincidamos en algunas; otras no he tenido ocasión de verlas todavía. 
Mientras haya vida, hay esperanza de ampliar los listados de mi blog.



Pequeña Miss Sunshine Paris, je t´aime (2007). Director: Bruno Podalydès; Actores: Gaspard Ulliel, Florence Muller, Leïla Bekhti, Steve Buscemi. Melodrama. Co-producción

Pecado original (2001). Director: 
Michael Cristofer; Actores/Actrices: Antonio Banderas,   Angelina Jolie, Thomas Jane, Jack Thompson, Gregory Itzin. Thriller. EE UU

Pequeña Miss Sunshine (2006). Director: 
Jonathan Dayton. Actores/Actrices: Steve Carell, Abigail Breslin, Toni Collette, Greg Kinnear, Allan Arkin. Cine independiente. EE UU 79 Edición Oscar: Mejor actor reparto: Arkin, Mejor guión original.

Pequeñas mentiras sin importancia (2011). Dirige: 
Guillaume Canet. Actor/Actriz: François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel, Gilles Lellouche, Jean Dujardin. Melodrama. Francia

Perder la razón (
2013). Director: Joachim Lafosse. Actores/Actrices: Tahar Rahim, Émilie Dequenne, Niels Arestrup, Stéphane Bissot, Mounia Raoui. Drama. Bélgica
Perder la razón


Phillip Morris, ¡Te quiero! (2009). Dirige: 
Glenn Ficarra. Actores: Jim Carrey, Ewan McGregor, Antoni Corone, Rodrigo Santoro. Comedia negra. EE UU

Philomena (
2013). Director: Stephen Frears. Actrices/Actores: Judi Dench, Steve Coogan, Charlie Murphy, Simone Lahbib, Anna Maxwell Martin. Drama. Reino Unido
Philomena


Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto (2006). Dirige: 
Gore Verbinski. Actores: Johnny Depp, Keira Knighley, Orlando Bloom, Stellan Skarsgard, Bill Nighy. Aventuras/Fantastico. EE UU 
79 Edición Oscar: Mejores efectos visuales

Piratas del Caribe: en el fin del mundo (
2007). Dirige: Gore Verbinski. Actores/Actrices: Johnny Depp, Keira Knightley, Orlando Bloom, Geoffrey Rush, Jonathan Pryce. Fantastico. EE UU 
Piratas de Caribe

Piratas del Caribe: la maldicion de la perla negra (2003). Director: 
Gore Verbinski. Actores/Actriz: Johnny Depp, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Jonathan Pryce. Aventuras. EE UU 

Plan de vuelo: Desaparecida (2005). Dirige: 
Robert Schwentke. Actrices/Actores: Jodie Foster, Peter Sarsgaard, Sean Bean, Erika Christensen, Marlene Lawston. Thriller. EE UU 

Plan oculto (
2006). Director: Spike Lee. Actores/Actrices: Clive Owen, Jodie Foster, Willem Dafoe, Denzel Washington, Christopher Plummer. Thriller. EE UU 
Plan oculto

Polar Express
Polar Express (
2008). Dirige: Robert Zemeckis. Animacion.EE UU 

Pompei (
2007). Dirige: Giulio Base. Actores/Actrices: Lorenzo Crespi, Maria Grazia Cucinotta, Andrea Osvárt, Massimo Venturiello, Maurizio Aiello. Peplum. Italia 

Posdata: te quiero (
2007). Director: Richard LaGravenese. Actrices/Actores: Hilary Swank, Gerald Butler, Lisa Kudrow, Kathy Bates, Harry Connick Jr. Melodrama. EE UU 

Poseidon (
2006). Dirige: Wolfgang Petersen. Actores/Actrices: Josh Lucas, Emmy Rossum, Kurt Russell, Jacinda Barrett, Richard Dreyfuss. Aventuras/Catastrofe Remake. EE UU 
Pozos de ambición

Pozos de ambición (
2007). Director: Paul Thomas Anderson. Actores: Danny Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O´connor, Ciaran Hinds, Mary Elizabeth Barrett. Drama. EE UU 
80 Edición Oscar: Mejor actor Day-Lewis, Mejor fotografía 

Precious (2009). Director: 
Lee Danniels. Actrices: Gabourey Sidibe, Mo'Nique, Paula Patton, Mariah Carey, Sherri Shepherd. Drama. EE UU 
82 Edición Oscar: Mejor actriz reparto Mo'Nique, Mejor guión adaptado 

Premonición 
 (2000). Dirige: Sam Raimi. Actrices/Actores: Cate Blanchett, Giovanni Ribisi, Keanu Reeves, Katie Holmes, Greg Kinnear. Thriller.EE UU 

Premonition (7 días) 
 (2007). Dirige: Mennan Yapo. Actores/Actrices: Julian McMahon, Sandra Bullock, Nia Long, Kate Nelligan, Peter Stormare. Psico-thriller. EE UU 

Pride (2014).Director: 
Matthew Warchus. Actores: Ben Schnetzer, Monica Dolan, George MacKay, Bill Nighy, Andrew Scott. Comedia new queer. Reino Unido 

Prisioneros (
2013). Dirige: Denis Villeneuve. Actores/Actrices: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Maria Bello, Paul Dano, Melissa Leo. Psico-thriller. EE UU 

Promesas del Este (
2007). Director: David Cronenberg. Actores/Actrices: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Sinead Cusack, Vincent Cassel, Armin Mueller Stahl. Thriller Reino Unido 
Promesas del Este

Proof (La verdad oculta) (
2005). Director: John Madden. Actrices/Actores: Gwyneth Paltrow, Anthony Hopkins, Hope Davis, Jake Gyllenhaal, Gary Houston. Melodrama. EE UU 

Puro vicio (
2014). Director: Paul Thomas Anderson. Actores/Actrices: Joaquin Phoenix, Josh Brolin, Katherine Waterston, Owen Wilson, Reese Witherspoon. Comedia negra.
EE UU

2015-11-19

Las mejores películas musicales de la época dorada del cine

La melodía de BroadwayMucho ha llovido (y hemos cantado, bailado, llorado y sonreído bajo esa lluvia) desde que se estrenó en 1929, La melodía de Broadway, que iba a representar el nacimiento de un nuevo género cinematográfico con mayúsculas, el MUSICAL

Al inicio del cine sonoro, la música dejó de ser un elemento externo, que servía únicamente como elemento de entretenimiento independiente a las imágenes sin voz, y pasó a ser un elemento intrínseco de la película. 

El arte de la música se unió al séptimo arte, creando el cine musical, donde el elemento de conexión propicio entre ambos era una coreografía o montaje. 
No se trataba de cortar el desarrollo, y que el personaje se pusiera a cantar un fragmento musical como si se tratase de un intermedio publicitario, o que ese número musical no tuviese ninguna relación narrativa con la obra. Con el avance de las técnicas sonoras, la música se convirtió en el objetivo del cine y viceversa, y en este equilibrio el elemento musical fue determinante, y de éste dependía el guión, la fotografía, la dirección y el montaje. 

Recuerdo los musicales de mi vida, los más significativos, que han dejado huella en mi memoria, con sus melodías incomparables, y sus coreografías que iban más allá de la mera interpretación. Espectaculares bailes en escenarios de ficción o naturales, con sus protagonistas siguiendo el compás de la música, con movimientos perfectos, cantando sus deseos y anhelos, poniendo música en sus palabras para contarnos historias de amor, tragedias y aventuras.
UN DIA EN NUEVA YORK

UN DIA EN NUEVA YORK (1949)

A pesar de que no es el musical por excelencia de la época de oro de Hollywood, ya que después de éste vinieron dos grandes obras maestras, Un americano en París y Cantando bajo la lluvia, sí que fue la primera película de este género en que se salió al exterior, y se pudieron rodar, salvando los obstáculos, las tomas teniendo como escenario Central Park, la estatua de la Libertad y el puente de Brooklyn, lugares más emblemáticos de la ciudad de Nueva York.

Tres marineros norteamericanos atracan en el puerto de Nueva York, y tienen únicamente un descanso de 24 horas para disfrutar de la ciudad. Gene Kelly, Frank Sinatra y Jules Munshin (los tres protagonistas) están dispuestos a comerse la Gran Manzana en un día, de arriba a abajo, desde el Bronx hasta Battery, y así nos lo explican desde que ponen los pies en tierra firme, cantando "New York, New York, it´s a wonderful town". 
A partir de ese momento, se inicia una secuencia de imágenes, postales pintorescas de la ciudad de los rascacielos, que cobran vida con los fabulosos números musicales de los tres portentosos actores. 
Las voces de Frank Sinatra y Jules Munshin, y el talento del bailarín Gene Kelly, siguiendo la partitura del gran compositor y pianista, Leonard Bernstein, y con la dirección de Stanley Donen, hacen del filme una maravillosa aventura, con música, baile, entretenimiento, y romanticismo. Y es que no podían faltar las chicas neoyorkinas que los tres protagonistas conocerán al azar, y que acabarán siendo guías turísticas de los tres marineros, y la parejita cada una por separado, que le tocará bailar/besar/enamorarse de cada uno de los marines. Ellas, las actrices protagonistas también son un exponente del arte musical, del canto y el baile del Broadway de los años 50 y 60: Betty Garrett, Ann Miller y Vera-Ellen. 

Un día en Nueva York ganó el Óscar a la mejor Banda sonora. 



UN AMERICANO EN PARÍS (1951)
Un américano en París

Este musical me apasiona, y me dejó impactada la primera vez que lo vi. Cada escena estaba llena de color, de luminosidad y de belleza. La pareja protagonista, formada por el director, bailarín y actor Gene Kelly y la dulce danzarina franco-estadounidense Leslie Caron, es una simbiosis de perfección en sus escenas de baile, pero también en las que se manifiestan como los dos amantes en la ciudad de la luz. Es por todo ello que Un américano en París ganó el Oscar a la mejor película y al mejor guión original. 

La obra sinfónica es fruto del gran trabajo de otro gran compositor de clásicos musicales, George Gershwin, composición estrenada en 1928 en el Carnegie Hall de Nueva York. Años más tarde, "Un americano en París" de Gershwin se convierte en la banda sonora de este clásico del cine musical de Hollywood, bajo la dirección de Vincente Minelli. Un concierto que Gene Kelly supo coreografiar magistralmente. 
Años más tarde, Woody Allen hizo homenaje de la composición de Gershwin en su gran obra Manhattan, en la que aparecen diferentes composiciones del músico, entre ellas la más significativa Rhapsody in Blue.

El montaje y los diferentes decorados de la ciudad de París son magníficos, prueba de ello es el merecido oscar que obtuvo por su decoración en color. También cabe destacar los cambios de vestuario, dependiendo de la escenificación: Leslie Caron parece una muñeca a la que se le van combinando las piezas de ropa, según el momento de la película. Desde sus trajes de múltiples colores para su puesta en escena, pasando por el sobrio vestido blanco con chaleco ceñido negro y pajarita, paseando a la orilla del Sena junto a un enamorado Gene Kelly, hasta el disfraz de tul de hada blanco con adornos y lentejuelas. Una maravilla de armario ropero. Y otro oscar para el film al mejor vestuario.


Un américano en París

Tengo un grato recuerdo de este musical, una delicia para los sentidos: desde el talento para la danza y el humor sin exceso de Gene Kelly, hasta el savoir faire y dulzura de Leslie Caron, una profesional de ballet clásico, que ya había tenido ocasión de ser pareja de otros grandes del género, como Fred Astaire
El número final de 16 minutos de duración, en la fuente iluminada en la noche, con el vaivén de los amantes y la cámara que se tambalea al son de los bailarines, es insuperable. 
Un éxito rotundo de taquilla y una obra maestra para la posteridad.


CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952)
Cantando bajo la lluvia

Otra mítica película del cine musical de los años 50 fue Cantando bajo la lluvia, dirigida y protagonizada por el actor, bailarín, coreógrafo, cantante y también director, Gene Kelly junto a su compañero de viaje en el mundo de las nuevas superproducciones musicales de la Metro Goldwyn Mayer, Stanley Donen. 
Tanto Kelly como Donen habían trabajado juntos en otro exitoso filme del género, Un día en Nueva York (1949), del que ya hemos hablado al principio de este post.

Una imagen quedó grabada en nuestra memoria cinéfila como icono de esta obra magistral, considerada con el paso de los años como una de las mejores películas musicales de todos los tiempos: un eufórico Gene Kelly, calado hasta los huesos por el efecto de una intensa lluvia de ficción, canta, salta, baila tap, chapotea sobre los charcos de la calle, pega un brinco y se alza en una farola, con su paraguas cerrado, y nos dice que está "happy" otra vez.
Cantando bajo la lluvia es una sátira sobre los problemas que tuvieron algunos actores y actrices para adaptarse al cine sonoro, ya que algunos de ellos no tenían ningún don ni al hablar y menos al cantar, y tuvieron que abandonar sus carreras profesionales (lo que se llama hacer mutis por el foro) o ser doblados. 
Con números muy divertidos, y una coreografía propia del tándem Kelly-Freed, los tres protagonistas del filme, entre ellos una debutante Debbie Reynolds, Donald O´Connor y el mismo Kelly hacen las delicias del público con sus canciones, sus shows, sus muecas y sus bailes. Cyd Charisse, famosa bailarina de la talla de Leslie Caron, puso el toque erótico en una escena de ballet, estilizada como una cabaretera junto a Kelly, mostrando sus larguísimas piernas, las más famosas del cine de la época.

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS (1954)
Siete novias para siete hermanos

El género musical se había consolidado, alcanzando su madurez en los años 50, y era uno de los preferidos del espectador, al igual que el cine negro o el western. 

Stanley Donen que había dirigido con gran acierto, y contando con la experiencia del rey del musical, Gene Kelly, Un día en Nueva York y Cantando bajo la lluvia, consiguiendo llegar a la cima, en 1954 decide recrear una obra, mezcla entre western y la adaptación del mito del rapto de las Sabinas: Siete novias para siete hermanos fue la primera película de este género rodada en cinemascope, que después se trasladaría a Broadway

Previamente, conocí el argumento de Siete novias para siete hermanos por la banda sonora, pues mi padre tenía el disco de vinilo, y mientras escuchábamos las canciones, nos contaba con gran entusiasmo que había una vez siete hermanos cowboys, los Pontipee, que vivían solos en las montañas de Oregón, y que talaban madera con sus sierras al compás de una bella melodía en la fría noche nevada ("Lonesome Polecat"), construyendo con piruetas, bailes y una fantástica coreografía de Michael Kidd su propio granero (uno de los fragmentos más recordados de la película). 

Entre estos fantásticos bailarines se encontraba un jovencito Russ Tamblyn, que después tendría un papel relevante en West Side Story.
Siete novias para siete hermanos

Como estaban tan solos, el hermano mayor Adam (que interpreta el cantante y bailarín Howard Keel) decide ir al pueblo a la "caza de esposa" (algo que podría considerarse totalmente indigno y machista en estos tiempos), y se enamora de Milly (la actriz prodigio Jane Powell),  se casa y la lleva a la cabaña, para hacer de criada de sus cuñados, unos palurdos sin normas ni modales. 

Para no ser menos, y siguiendo el ejemplo de Adam, los otros seis Pontipee se van en busca de su media naranja, pero para evitarse noviazgos largos, raptan a las jóvenes casaderas del pueblo, y se las llevan para vivir una vida idílica en su casa de la montaña. El tema del rapto está inspirado en un cuento del escritor Stephen Vincent Benét, "Sobbin Women", que a su vez está basado en el mito de El rapto de Las Sabinas, de Plutarco. 

A pesar de introducir otra visión nueva del musical, la película Siete novias para siete hermanos solo ganó el oscar a mejor banda sonora.

GUYS AND DOLLS (1955)
Guys and Dolls

Considerada más como obra musical propiamente de los escenarios de Broadway, Ellos y Ellas (título AKA) fue transformada por el director de grandes melodramas Joseph. L. Mankiewicz (Eva al desnudo y La condesa descalza), en una película musical diferente a las que el espectador estaba acostumbrado. Y además lo hizo con dos grandes iconos del cine de oro hollywoodiense, que nunca antes se habían puesto a cantar y bailar en la gran pantalla: Marlon Brando y Jean Simmons.

El filme contaba con otro papel protagonista, la voz de Frank Sinatra y la de Vivien Blaine, actriz que provenía del teatro y que Mankiewicz la requirió para formar el elenco principal de Ellos y Ellas

El resultado del proyecto musical tuvo un gran éxito, y es una obra teatral que hoy en día sigue interpretándose no sólo en Broadway, sino también en las salas teatrales de nuestro entorno cultural europeo. El argumento lo podéis leer en este enlace, ya que si queréis aún podéis comprar las entradas para verla en el Reino Unido.

GIGI (1958)
Gigi

Volvemos al París de principios del siglo XX, de la mano del director Vincente Minelli y con la bailarina chic y que ya había triunfado en Un américano en París, Leslie Caron. 
Gigi es una novela folletinesca de carácter romántico, escrita por Gabrielle Colette, y publicada en 1945. De esta obra, se hizo una película a finales de los años 40, interpretada por Daniélle Deloreme y dirigida por Jacqueline Audry. 

Vincente Minelli hizo una nueva adaptación, introduciendo el elemento musical y coreográfico, para hacer de ella un musical que fue un gran éxito de taquilla, y que supuso entrar en la lista de las películas con más oscars de la historia del cine: en total 9 estatuillas para la Mejor película, director, guión, montaje, vestuario, entre otros. 

Gigi (Leslie Caron) es una niña más bien pueblerina, inocente y romántica que llega a París, y su abuela se encargará de convertirla en una cortesana dispuesta a pescar un marido rico. Gaston (Louis Jourdan) es un apuesto millonario, sobrino de Honoré (Maurice Chevalier), un bohemio mujeriego y vividor, amigo de la familia de Gigi. La abuela tiene el objetivo de casar a su nieta con Gaston, pero él tiene una relación con Gigi pura y amistosa, que no nada tiene que ver con el matrimonio. 
Esta obra musical es una sátira sobre la sociedad burguesa parisina del 1900, con sus juegos amorosos y su superficialidad respecto a demostrar los verdaderos sentimientos. Tout cela est très français.

WEST SIDE STORY (1961)
West Side Story

Al hablar de West Side Story me vienen múltiples recuerdos y otros tantos temas de que tratar. La película que es un clásico dentro del género de los musicales de todos los tiempos, abarca otros subgéneros, y tantas temáticas que podríamos hacer una tesis. Pero, evidentemente, este post no es de letrados y no me extenderé más de lo necesario.

Cuando hablé de las películas sobre la juventud, su rebeldía, sus ganas de vivir, y de las bandas y tribus sociales que se formaban en los años 50, ya hice una pequeña mención a West Side Story, pues el tema central trata sobre bandas juveniles enfrentadas por motivos xenófobos y sociales, los Shark (inmigrantes puertorriqueños) y los Jets (americanos "autóctonos" de clase obrera). Sus peleas callejeras, y las burlas hacia las autoridades policiales en los barrios del West Side de Nueva York. Todo orquestado con bailes excepcionales, música de jazz, ritmos latinos, y pop en escenarios de un barrio marginal neoyorkino.

Además de las disputas y las rivalidades, hay una historia de amor imposible, como en Romeo y Julieta, entre María (una maravillosa Natalie Wood), la hermana del cabecilla de los Shark, y Tony (Richard Beymer), miembro de la banda de los Jets. María y Tony se quieren casar pero saben que ninguna de las partes defenderá su amor. 
West Side Story
El guionista Arthur Laurents se basó en la obra dramática de Shakespeare para adaptarla a una historia contemporánea de los años 50 en Norteamérica. Cuando hablé de las adaptaciones al cine de las obras del escritor de Stratford, comenté que esta película recogía el argumento y los personajes de Romeo y Julieta, así como su argumento y su final trágico, en el que muere el hermano de María, Bernardo (el bailarín George Chakiris) a manos de Tony, y éste a manos de Chino, el pretendiente puertorriqueño de la protagonista.

El musical se estrenó en 1957 en Nueva York con gran éxito, con la coreografía de Jerome Robbins en estrecha colaboración con el compositor Leonard Bernstein y el guionista Laurents. Estuvo a punto de no estrenarse por las desavenencias y el criterio opuesto entre Bernstein y Laurents, que no llegaban a ponerse de acuerdo en el tipo de argumento, o si debía ser teatro lírico o una opereta, como quería Bernstein.

En 1961, los directores Robert Wise y  Jerome Robbins hicieron su adaptación a la gran pantalla, y le dieron un mayor auge, convirtiéndose en el musical más exitoso de la historia. Se le concedieron hasta diez premios Oscar y se ha representado en más de 40.000 ocasiones, por grupos profesionales y amateurs teatrales en los últimos cincuenta y cuatro años.

MY FAIR LADY (1964)
My fair lady

Ya se que os parecerá extraño pero NO, no he visto My Fair Lady. Nadie es perfecto, ni siquiera las cinéfilas como yo. No obstante conozco el argumento de la obra, y sé que Audrey Hepburn hizo un gran papel, aunque los laureles y el oscar se los llevó Rex Harrison, como actor principal. 

Al haber visto la obra de teatro Pygmalión de George Bernard Shaw varias veces, me parecería innecesario también visionar esta re-adaptación musical del gran director George Cukor. He curioseado y resulta que la película de 1964 no es totalmente fiel a la obra homónima, sobretodo el desenlace, ya que Eliza Doolittle (el personaje central, interpretado por Hepburn) no se casa con el profesor Higgins (Rex Harrison) en la versión original. 
La censura hollywoodiense no vería con buenos ojos otro final que no fuera la unión matrimonial entre la vendedora de violetas y el snob lingüista, después de haber convivido juntos bajo el mismo techo tanto tiempo.
Pygmalion

Pygmalion es en realidad una obra de la mitología griega, un relato escrito por Ovidio en Las Metamorfosis, en el que narra la leyenda del rey de Chipre, Pygmalion que se enamora de la escultura que él mismo ha creado. Gracias a la intervención de la diosa Afrodita, la estatua de la mujer hermosa cobra vida, y se convierte en la reina Galatea, la esposa deseada por Pygmalion.

MARY POPPINS (1964)
Mary Poppins

"Supercalifragilisticoespialidoso" es una extraña palabra, que si la pronunciásemos todos más a menudo, posiblemente nos entenderíamos mejor. 

En realidad, este vocablo es el título de una de las canciones más famosas y pegadizas, que componen la banda sonora de una de las películas musicales más entrañable y tierna de la mitad de los años 60, Mary Poppins

La actriz británica de Broadway, Julie Andrews interpretaría el papel de su vida en la gran pantalla (que al principio iba a ser para Audrey Hepburn), el de la niñera mágica que ponía a rajatabla a dos niños de clase alta londinense, a golpe de canción, ingenio y cariño. Su actuación como Mary Poppins le valió a Julie Andrews el oscar como mejor actriz, y su éxito a posteriori en otras películas musicales, como Sonrisas y Lágrimas que fue la catapulta al estrellato definitivo de Andrews.
Julie Andrews

La mezcla de humor, crítica social, animación, y de valores humanos, además del cariño y ternura que se desprende de Mary Poppins hacia los niños de la familia Banks, convirtió la película en uno de los hits más taquilleros y exitosos del director Robert Stevenson.

La película, producida por Walt Disney, fue una adaptación de un libro infantil de Pamela Lyndon Travers, con no menos dificultades, ya que la autora no estaba de acuerdo en que su obra tuviese música ni elementos de animación (si queréis conocer la historia de Pamela Travers y la puesta en marcha de Mary Poppins en el estudio de Disney, os recomiendo la película Saving Mr. Banks (2013) con Emma Thompson y Tom Hanks).

Finalmente, con el beneplácito de la escritora, la película unió personajes reales con animación, usando el fondo Chroma key azul para insertar detrás de los actores una imagen de camareros pingüinos, o un partido de futbol entre todos los animales de la selva. Una fantasía Disney que unida con el talento de Julie Andrews y el del deshollinador Bert (interpretado por el actor, cantante, bailarín y comediante Dick Van Dycke) hizo las delicias de pequeños y grandes. 
Mary Poppins

Además de estos efectos especiales tan novedosos y preciosistas, no hay que olvidar el gran trabajo musical de los hermanos Sherman, bajo la dirección de Irwin Kostal. En total, 18 composiciones (sin contar las canciones y músicas eliminadas), de las cuales ganaron el Oscar a la mejor canción por Chim Chim Cher-ee, la música y letra del número excelso de Dick Van Dycke y los deshollinadores bailando por los tejados de Londres. 

SONRISAS Y LÁGRIMAS (1965)

Como hemos visto anteriormente, el cine musical de la época dorada de Hollywood estaba en declive. Fueron dos títulos los que aún aguantaron el tirón de este género que había nacido para triunfar, pero que a partir de los años 70 iría quedando arrinconado, y desaparecería casi definitivamente en los años de la modernidad cinematográfica.
Estas dos películas fueron Mary Poppins y My Fair Lady, pero también la oscarizada obra de Robert Wise (director de West Side Story), The sound of music (Aka Sonrisas y Lágrimas).

Sonrisas y lágrimas se estrenó en 1959 en los escenarios neoyorkinos, con la música de Richard Rodgers y las letras de Oscar Hammerstein II, compositores que ya habían trabajo juntos en éxitos anteriores como South Pacific y El rey y yo
Pronto, los estudios se disputaron los derechos para adaptarla en formato cinematográfico, y finalmente fue la Fox quien se llevó el premio. Propusieron al director William Wyler en primer lugar, pero delante de su negativa, buscaron como sustituto a Robert Wise, que cuatro años antes había triunfado con West Side Story. Wise fue el que recomendó que se rodase en exteriores naturales para que no fuese tan teatral. El escenario escogido fueron los Alpes austríacos y Salzburgo, que es donde transcurre la historia original.

Para el papel de María, la encantadora novicia que se hace cargo de los seis hijos del capitán Von Trapp (Christopher Plummer), no cabía duda que se pensó en Julie Andrews, que un año antes había ganado su primer y único oscar por su papel de Mary Poppins. Su actuación en Sonrisas y Lágrimas la encumbró a lo más alto del cine de este género.  

Con los años, Sonrisas y Lágrimas se ha convertido en la película más taquillera de la historia del cine, superando incluso las recaudaciones de Lo que el viento se llevó.

¡HELLO, DOLLY! (1969)
Hello, Dolly

Acaba la década, y con ella nos vamos despidiendo de las grandes superproducciones musicales de Hollywood. Decimos adiós con ¡Hello, Dolly!, una película donde nos encontramos nuevamente a Gene Kelly, en esta ocasión como director. Obra musical al estilo Kelly, clásica por principios, de ampulosas coreografías de Michael Kidd (lo conocimos en Siete novias para siete hermanos), escenarios naturales, y decorados de cartón piedra, representando el Nueva York de finales del S. XIX.

El estreno de ¡Hello, Dolly! tuvo que esperar hasta 1969, para no verse eclipsado por el gran éxito que tenía la misma obra en Broadway. La Fox compró los derechos a sus creadores, Jerry Herman y Michael Stewart, comprometiéndose a no exhibirla en la gran pantalla hasta que no finalizarán las representaciones en los escenarios neoyorkinos. 
Pero fue tal la afluencia de público para ver la obra teatral, que la película tuvo que esperar uno año más, perdiendo una gran cantidad de dólares por los intereses que la Fox tuvo que pagar a los acreedores. Y la obra duró y duró, y se repusó en varias ocasiones, con diferentes actrices y actores, tanto en Broadway como en Londres. 

El éxito de ¡Hello, Dolly! no sólo radica en la dirección de Kelly o las coreografías artísticas de Kidd, sino también en la elección de Barbra Streisand para el papel de la viuda Dolly Levi, con su excelente chorro de voz y su personalidad, que le auguró una larga y fructífera carrera musical y profesional, en los escenarios de todo el mundo y en la gran pantalla. Y entre los miembros de la orquesta, un músico de excepción, el gran Louis "Satchmo" Armstrong.

En los años 70 el musical clásico va quedando obsoleto, y se renueva con otra vertiente, que será llevada a cabo por el director Bob Fosse, con éxitos como Cabaret
Pero esto será otra historia.

2015-11-13

Las actrices indie y las modelos más sexys de los 90

Seguimos hablando de las actrices que tuvieron mayor éxito de taquilla en los años 90, y que se convirtieron en las más ricas y famosas del cine de la década, una época en la que la industria de Hollywood había dejado atrás las grandes superproducciones y el dominio de los estudios, y dio paso a las películas de culto o cine independiente, sin olvidarse de las cintas comerciales, películas de aire futurista, remakes y adaptaciones de videojuegos, inclusive.

Las actrices "noventeras" no estaban encasilladas como lo estuvieron sus grandes predecesoras en la época dorada del cine de los años 40 y 50, haciendo inolvidables interpretaciones, en gran parte dramas o thrillers, y casi siempre a merced del personaje masculino, que era el principal protagonista, mientras ellas quedaban en un segundo plano (hay excepciones, las divas, estrellas brillando con luz propia y sin hombre que les hiciera sombra, ni gángsters, ni cowboys, ni científicos ni piratas).

Estas actrices forman un grupo de mujeres con gran carisma y personalidad, capaces de representar diferentes arquetipos de personajes (desde una inocente dama hasta una asesina psicópata, o desde una madre coraje a una libertina desenfrenada). 

Entremos en el primer grupo, donde las más relevantes intérpretes de cine independiente  nos esperan:


JENNIFER JASON LEIGH
Referente del cine independiente norteamericano contemporáneo, la actriz Jennifer Jason Leigh ha protagonizado importantes papeles en películas de culto, con directores de gran renombre.
JENNIFER JASON LEIGH

En los 80 ya había hecho papeles de adolescente, resaltando su madurez profesional, en Aquel excitante curso (1982), junto a Sean Penn, y Los señores del acero (1986), dir. Paul Verhoeven, haciendo de princesa medieval raptada y violada por un mercenario del siglo XVI (papel que interpreta el actor Rutger Hauer).
Actriz comprometida con sus personajes, al haber estudiado el método Strasberg, llegaba a grabar su voz, analizando su papel y entrevistando a personas reales para elaborar con mayor realismo sus actuaciones de psicópata, prostituta o drogadicta. Entre estos arquetipos, cabe destacar su interpretación en Mujer blanca soltera busca (1992) dir. Barbet Schroeder, en la que la actriz hace de compañera de piso psicópata de una Bridget Fonda acosada. 

También hizo de ama de casa que trabaja como teleoperadora del sexo en Vidas cruzadas (1993), película coral del gran director de cine independiente y comprometido Robert Altman.

El gran salto (1994) lo dio con esta película, actuando con el actor y director Tim Robbins, y dirigida por los hermanos Coen. Ese mismo año se ganaría al público y a la crítica con su personificación de la escritora Dorothy Parker en La señora Parker y el círculo vicioso (1994), -dir. Alan Rudolph-, ganando varios premios nacionales y siendo nominada a Globo de oro como mejor actriz.

A estas cintas, les seguirían el remake de La Heredera que interpretó Olivia de Havilland en 1949, que en su nueva versión se tituló Washington Square (dir. Agnieszka Holland 1997), y en la que Jennifer Jason hace de solterona del siglo XIX, una bonachona poco agraciada que se enamora de un caballero (Ben Chaplin) que la quiere solo por la herencia que recibirá de su opresivo padre acaudalado (Albert Finney); Kansas City (1996) de Altman, donde también hace un papel marginal. Una delincuente drogadicta capaz de raptar a la mujer de un político para salvar a su amante de la mafia, a la que le debe dinero en plena post Depresión norteamericana.

Para cerrar la década de los 90, destacar el papel que hace la actriz como la hija traumatizada de Dolores Claiborne (el papel fue para Kathy Bates), una mujer maltratada en el pasado, y que se la acusa de asesinar a la anciana que estaba a su cuidado en el momento presente de la trama. Es una película basada en una novela del escritor de género de terror, Stephen King, y que lleva por título Eclipse total (1995).

LlLI TAYLOR


Lili Taylor

No es una actriz tan renombrada, quizás porque se ha dedicado casi exclusivamente al cine independiente americano y a trabajar en películas con directores europeos. 
Su talento también la lleva a realizar importantes obras de teatro y ha participado en conocidas series de TV, entre ellas A dos metros bajo tierra y Hemlock Grove.

Participó junto a Jennifer Jason Leigh en Vidas cruzadas y en La señora Parker y el círculo vicioso. Volvió a dirigirla Robert Altman en la película Prêt-a-Porter (1994), una sátira sobre el mundo de la moda y el famoseo, haciendo un pequeño papel secundario.

Fue en Yo disparé a Andy Warhol (1996) (dir. Mary Harron), cuando conocí verdaderamente a la gran actriz que había en Lili Taylor. Es una película basada en hechos reales, en la que se narra la historia de una guionista de los 60, Valerie Solanas, fóbica con el género masculino, paranoica y acomplejada, que pretendía hacer una película producida por el icono artístico Andy Warhol. Al verse ignorada por éste, Solanas se presenta en una fiesta y con toda su rabia dispara a Warhol sin graves consecuencias. 
Actúan junto a Lili Taylor, Jared Harris y un irreconocible Stephen Dorff en el papel de Candy Darling, una actriz transgénero de la década 60´s. 


JULIANNE MOORE
Es la musa del cine independiente que ha sabido escoger buenos papeles, sin dejar de lado el cine de las grandes producciones de Hollywood, pero manteniéndose fiel a esas grandes interpretaciones libres de convencionalismos y autocensuras, alejada del stablishment hollywoodiense de la moralina más retrógrada.

Julianne Moore

Julianne Moore se ha atrevido con todo, haciendo de múltiples protagonistas, sin encasillarse, de forma inteligente y carismática. Si ha tenido que ser una pornostar o ser una yonki, o una lesbiana inmadura, lo ha hecho magistralmente, sin prejucios pero sin excesos. Es una mujer y artista fantástica, y al final, la Academia de Hollywood le ha otorgado el merecido Óscar este año por su papel de profesora lingüística, enferma de Alzheimer en Siempre Alice (2014). 
Cabe destacar que además es activista, compaginando su profesión con su embajada en la ONG Save the Children.

En 1992 hizo un papel de reparto en La mano que mece la cuna, un thriller psicológico protagonizado por la sexy Rebecca de Mornay y dirigido por Curtis Hanson.

Se unió al extenso y cualitativo elenco de la película coral -serie de breves historias basadas en un poema de Raymond Carver, y un total de 22 personajes- de Robert Altman, Vidas Cruzadas (1993), de la que ya hemos hablado anteriormente.
Su actuación fue muy aclamada, recibiendo nominación como mejor actriz de reparto en los Independent Spirit Awards. Gustó sobretodo por su desnudo de cintura para abajo, en una escena en la que está discutiendo con su marido infiel.
Ese mismo año Julianne Moore hizo de Dra. Anne Eastman en El fugitivo (dir. Andrew Davis) junto a Harrison Ford y Tommy Lee Jones.

La actriz protagonizó junto al actor inglés Hugh Grant la comedia romántica Nueve meses en 1995, dir. Chris Columbus. El resultado es un embarazo deseado por ella (y menos por él), y todos los enredos típicos de las comedias románticas menores.

El film más taquillero de Julianne Moore llegó con su interpretación en la saga de Jurassic Park: el mundo perdido (1997) de Spielberg, la primera secuela de la saga, cuya primera parte se estrenó en 1993 con el nombre Jurassic Park. El tema central de los dinosaurios encontrados en unas islas recónditas y la paleontología, ambientado con múltiples efectos especiales, paisajes naturales, acción y aventuras, convirtió este blockbuster en otro éxito para Spielberg y recaudó una suma tan elevada como un Tyranosaurus Rex.

Volviendo al cine independiente , Julianne Moore se consagró con la película de Paul Thomas Anderson, Boogie Nights (1997), un drama en el que la artista hace de pornostar de finales de los años 70. Es una crítica mordaz y llena de dramatismo sobre los inicios de la industria nortamericana del cine pornográfico. Moore fue nominada al oscar como mejor actriz de reparto, pero se quedó sin el premio nuevamente.

Acabamos el espacio de los films de Julianne Moore de los 90 con dos títulos muy recomendables: El gran Lebowski (1998) y Magnolia (1999). La primera está dirigida por los Hermanos Coen y sigue la línea de la comedia negra o sátira, con personajes esperpénticos y una trama propia de estos directores. El protagonista es Jeff Bridges y le acompañan John Goodman, John Turturro y Philip Seymour Hoffman,entre otros. Hilarante y sin desperdicio. 
En cambio, Magnolia es una obra magistral pero completamente dramática y surrealista. Es un film coral de 9 historias diferentes, pero que acaban confluyendo unas con las otras, como los pétalos de la flor. Dirigida por el cineasta de Boogie Nights, Julianne Moore hace una excelente interpretación como la segunda esposa asqueada de un moribundo millonario (Jason Robards) que le dobla la edad. 


CHRISTINA RICCI
Debutó con tan solo nueve años de edad en la película Sirenas (1990), al lado de otra de las relevantes actrices indies de los 90, la guapa Winona Ryder, y de la cantante recauchutada Cher. 
CHRISTINA RICCI

En 1991 Christina Ricci se convierte en una niña gótica, la hija rarita de la no menos fantasmal y terrorífica familia Addams. La película La Familia Addams, dir. Barry Sonnenfeld, fue un remake de la antigua serie de los años 60 que llevaba el mismo título, y que se realizó como sitcom durante dos años en la cadena norteamericana ABC. 
La pequeña artista hacía una actuación convincente de Miércoles Addams, vestida de negro, con unas trenzas bien apretadas y negras, y una mirada siniestra.
Tuvo la suerte de aprender de actores veteranos, como Anjelica Huston, que hacía de Morticia, su bella y tétrica madre, y Raúl Juliá, haciendo de padre de familia no menos estrambótico. Fantasía y humor negro con efectos visuales bien conseguidos. 
A ésta le siguieron dos secuelas, de las cuales he visto La familia Addams: la tradición continúa (1993).

Desde entonces han sido diversos los papeles que Christina Ricci ha interpretado, normalmente rodeada de una atmósfera fantasmal y de carácter barroco, y por eso se la conoce como la musa gótica de Hollywood. Películas como Casper (1995) o Sleepy Hollow (dirige Tim Burton en 1999) son prueba de ello: niños que son fantasmas y jinetes sin cabeza. 

Con los años, la niña prodigio se ha convertido en una ídolo de juventud, participando en más de 50 cintas, convirtiéndose en una gran actriz de cine independiente. Me gustaría resaltar el papel que hace en la película de Ang Lee, La tormenta de hielo (1997), una de sus actuaciones más preciadas para mí de esta década. Es un drama familiar, donde hay intercambios de parejas, matrimonios en horas bajas, y adolescentes (como la Ricci) que también quieren experimentar eso que llamamos sexo. No os cuento más, vale la pena que la veáis.

KRISTIN SCOTT THOMAS


Kristin Scott Thomas

Aunque retirada de las pantallas desde 2014, la actriz británica Kristin Scott Thomas ha trabajado treinta años en el mundo del cine, contando con importantes interpretaciones en producciones independientes francesas y británicas, pero también en sonados éxitos de taquilla de Hollywood en la década de los 90. Desde que la vi en 1992 en el drama Lunas de hiel de Polanskime pareció una actriz seria, elegante, y perfecta para este tipo de cine más maduro.  La actriz realiza un papel de mujer casada insatisfecha, que celebra su séptimo aniversario de boda con su marido (Hugh Grant) en un crucero, y los dos se ven envueltos en un intercambio de parejas, con una pareja extraña y morbosa (Emmanuelle Seigner y Peter Coyote).
Es verdad que no es bella en el sentido estricto de la palabra, pero es atractiva por su halo de introversión casi misterioso, tantas veces representado en sus películas. 
Empezó con pésimas críticas, recibió Razzies como peor actriz, y sus profesores de arte dramático le quisieron frustrar sus ilusiones, asegurándole que no valía para el teatro. Kristin Scott Thomas no se rindió, y la prueba está en todo su bagaje profesional acumulado con éxito.
Después de Lunas de hiel, protagonizó un papel de reparto en Cuatro bodas y un funeral, la comedia romántica más taquillera de los 90, realizada en el Reino Unido por Mike Newell con éxito mundial. El protagonista central volvía a estar interpretado por Hugh Grant, y Kristin hacía el papel de la amiga pija y cínica, que solo está dispuesta a perder su soltería con un hombre noble y rico. Es una película que nos hizo reír por su humor inglés, y nos hizo enamorarnos de Hugh Grant y Andie MacDowell, la eterna pareja que por una cosa u otra nunca llegaba a consolidar su relación de amor. La película ganó el César a mejor filme extranjero, y Kristin Scott Thomas ganó su primer premio: el BAFTA a mejor actriz de reparto.
Tras otros papeles siempre de secundaria -hecho que también influyó en su malestar con la industria del cine, y propició su retiro-, en películas taquilleras como Misión imposible I o Ricardo III, le llegó el momento esperado. Iba a ser la actriz principal de la cinta del director Anthony Minghella El paciente inglés (1996), actuando junto a Ralph Fiennes, Juliette Binoche y Colin Firth. Es una película llena de poesía y belleza; uno de los dramas románticos más sonados de los 90. Kristin está sublime, pasional, más sensual que nunca, más intensa y dramática. Fue nominada al Oscar como mejor actriz. La película ganó la friolera de 9 estatuillas.

El hombre que susurraba a los caballos (1998) le ofreció la oportunidad de trabajar con el gran actor y director Robert Redford, pero nuevamente en un papel muy alejado de darle notoriedad. Kristin Scott Thomas hacía de Anie, la madre de Grace, una amazona (Scarlett Johansson), que tras un accidente queda gravemente herida, y su caballo se vuelve indomable debido al stress postraumático. Anie va a buscar a Tom Booker (Robert Redford), un hombre que puede curar las heridas psicológicas del animal con el don especial del habla a los animales. A quien le gusten mucho los caballos, disfrutará. Y poco más.

WINONA RYDER

Winona Ryder

Al igual que su amiga en la vida real Christina Ricci, Winona Ryder empezó su carrera cinematográfica a finales de los 80, realizando papeles de bonita e inocente adolescente gótica, con trastornos de personalidad y otras rarezas. Dirigida por Tim Burton, intervino en el filme de humor negro Beetlejuice (1988), junto a Geena Davis, Micheal Keaton y Alec Baldwin. Su papel era una adolescente depresiva que podía contactar con los fantasmas. Recuerdo que el personaje de Winona pronunciaba tres veces "Beetlejuice" y aparecía un estrafalario Michael Keaton, haciendo de muerto viviente con estética de sucio vagabundo y payaso terrorífico. La película fue un éxito de taquilla y Winona Ryder fue reconocida a nivel mundial. 
Con esa cara tan linda y cariñosa, Tim Burton le volvió a ofrecer a la actriz otro papel en Eduardo Manostijeras (1990), protagonizado por un joven que se haría super famoso: Johnny Depp, y que sería el amor más sonado en la vida real de Winona Ryder. 
Es otra película fantástica, con ambientación gótica-romántica, y personajes extravagantes (Eduardo es medio robot, y tiene tijeras en lugar de manos) tan propia de las obras de Burton. Evidentemente, es una historia de amor imposible entre una preciosa chica normal, de un barrio normal, y un humanoide que nunca será aceptado por la sociedad "normal". Cabe destacar la aparición del famoso actor de películas de terror de los años dorados de Hollywood, Vincent Price, haciendo de padre creador de Eduardo Manostijeras (Johnny Depp). 
Ese mismo año, actuó junto a su amiga Christina Ricci y Cher en Sirenas (dir. Richard Benjamin), en la que hacía de la hija mayor de una mujer excéntrica y separada (Cher). Winona Ryder estaba ideal en el papel de adolescente obsesionada por la religión, pero con deseos de enamorarse, como todas las chicas de su edad. Christina Ricci es su hermana pequeña, y sólo quiere nadar, ser como un pez, y se pasa el día metida en la bañera, o en el río. 
El crítico Roger Ebert del Chicago Sun-Times escribió: "Winona Ryder, en otro de sus alienados papeles, genera verdadero carisma". No es extraño que la actriz fuese nominada a los Globo de Oro en la categoría de mejor actriz de reparto.

Noche en la tierra (1991), que dirige uno de los cineastas independientes con mayor apogeo en esta década, Jim Jarmusch, es otro título donde la artista realiza una interpretación nada convencional, una mujer taxista que quiere ser mecánica. El argumento pasa simultáneamente en diferentes ciudades del mundo, y en cada lugar tiene como eje central el diálogo entre un taxista y sus pasajeros. 
Reconozco que la película es extraña y oscurantista, pero soy entusiasta del cine indie, por lo que la recomiendo. 

Regresamos al terror fantástico-gótico, y en esta ocasión de la mano del gran director Francis Ford Coppola. ¿Adivináis de que película se trata? Pues sí, es Drácula de Bram Stoker, donde Winona Ryder hace un doble papel, el de Mina, una dama del siglo XIX, prometida de un abogado (Keanu Reeves) que sin saberlo hace tratos con el mismísimo conde Drácula, el vampiro de todos los tiempos, y que será seducida maléficamente por el Conde; y por otro lado es Elisabetha, la primera esposa de Drácula que murió de forma trágica. Es una versión de la novela de terror de Bram Stoker con una gran puesta en escena, un montaje que mezcla elementos fantasiosos con las diferentes caracterizaciones de Drácula (gran interpretación del actor Gary Oldman), preciosista en vestuario y localizaciones. La película de Coppola fue un gran éxito de público en todo el mundo, y ganó tres oscars. 

Winona Ryder hizo un papel en 1993 en el melodrama La casa de los espíritus, película basada en la novela de la escritora chilena Isabel Allende, y que narra la la historia de una familia de terratenientes antes y después del golpe de estado en Chile. La artista hace el papel de novia del capataz de las tierras del patriarca, un campesino pobre y revolucionario que no podía ser otro que Antonio Banderas (se supone que es el único que sabía hablar español). El elenco es de excepción, desde la madre de la familia que interpreta Meryl Streep, pasando por el patriarca, Jeremy Irons, y la hermana de éste, una beata recalcitrante, muy bien representada por Glenn Close. A pesar de todo, el filme no tuvo demasiada repercusión.

La siguiente película que vi de esta gran artista del cine independiente fue Reality bites, de la que ya hablé en la entrada sobre las mejores películas de rebeldía y esplendor de la juventud de los años 80 y 90.

Cierro la década y la filmografía que he visto de Winona Ryder, con la película Inocencia interrumpida (1999), donde la artista vuelve a interpretar a una adolescente internada en un centro psiquiátrico por su trastorno de personalidad suicida. Es una enferma hipersensible que se ve influenciada por las obsesiones y comportamientos violentos de otras chicas internas. Angelina Jolie hizo el papel de la amiga psicópata de Winona en este film, consiguiendo el Oscar a mejor actriz de reparto.  


A continuación, viene el grupo de las modelos más sexys que se convirtieron en actrices y triunfaron en el cine de los 90, y que además hicieron auténticos taquillazos en algunas de estas películas:


CAMERON DÍAZ

Cameron Díaz



Desde muy joven ya fue modelo para los grandes diseñadores como Calvin Klein o Levi´s, y aparecía en las portadas de revistas para adolescentes. Era un cuerpo con curvas, alta, y rubia con ojos claros, y eso era el valor más preciado de Cameron Díaz. Y por ese valor hizo su aparición en La máscara, dirigida en 1994 por Chuck Russell, como convidada de piedra sexy y provocativa.

Esa fue la primera ocasión que vi a la modelo, y creí que era muda. Realmente, hace un papel de maniquí andante, que acompaña al exagerado cómico caricaturesco Jim Carrey en una aventura fantástica, que mezcla dibujos animados con personajes de carne y hueso (cómo en Roger Rabbit). La escena del mambo que bailan Jim Carrey y Cameron Díaz, en el Club Coco Bongo, es hilarante, quizás el momento más divertido de toda la cinta. No sabemos si la presencia de la guapa y sensual modelo desconocida hasta ese momento ayudó a que fuera una película-cómic con la mayor recaudación nacional de ese año. 
Jim Carrey se consagró como actor de comedias (aunque sigo pensando que es exagerado, y gesticula hasta ponerte de los nervios). Cameron Díaz despegó en su carrera de actriz, sin dejar de ser modelo.

En Solo se vive una vez (1996) hace un dúo artístico con Harvey Keitel. Es una comedia negra, un thriller en el que a raíz de un hombre asesinado, se empieza a ver las verdaderas intenciones de los personajes que rodean al muerto: ni el juez es tan justo, ni su hermosa y joven esposa es tan celestial, ni el vecino es tan amigable. ¿Quién es el verdadero asesino del ex novio de la sensual ama de casa? No se puede descubrir hasta el final. 

El estrellato definitivo llegó en 1998 con dos comedias negras y surrealistas, en las que Cameron Díaz tiene prácticamente el papel principal. Una era Very Bad Things, del director Peter Berg. Es una sucesión de catastróficas y macabras experiencias, que van in crescendo a medida que los personajes se van complicando más y más, para acabar en una mezcla de violencia, sexo, accidentes y humor sádico. Todo por celebrar la mejor despedida de soltero del novio de Cameron Díaz en el filme. 
Más que una boda, parece un funeral. Aparece Christian Slater, como el amigo más violento y desequilibrado del novio (Jon Favreau). 

El otro éxito fue Algo pasa con Mary, co-protagonizada por Ben Stiller y Matt Dillon, un guión surrealista y gamberro de los que ya nos tienen acostumbrados los hermanos Farrelly. Cameron Díaz fue nominada a los Globo de oro por su actuación como mejor actriz de comedia/musical.

ANDIE MACDOWELL


Andie MacDowell

Modelo y actriz veterana norteamericana. Al igual que Cameron Díaz, empieza su carrera de pasarela con L´Oréal y Calvin Klein. 
En 1989 Andie MacDowell triunfaba en la película Sexo, mentiras y cintas de vídeo, dirigida por Steven Soderbergh, actuando con importantes actores del panorama cinematográfico de los 80 y 90: James Spader y Peter Gallagher. Su actuación le valió para demostrar que no era solo una mujer atractiva, sino que se le daba bien el cine controvertido.
Al año siguiente, volvía a ganarse al público y a la crítica en su papel protagonista junto al histriónico actor francés, Gerard Depardieu en Matrimonio de conveniencia, de Peter Weir. El necesita la tarjeta verde de residente para trabajar en Estados Unidos, pues es francés y por tanto, considerado inmigrante. Ella necesita alguien para compartir piso, pero el requisito es que solo lo alquilan a matrimonios. Con una boda por conveniencia, cada uno consigue su objetivo. A partir de ahí empieza la comedia de enredo. Película con dos Globo de oro, y el guión nominado a los premios de la Academia. Es divertida y se puede pasar un buen rato. 
En Vidas cruzadas (1993) comparte elenco con todas las actrices que he mencionado anteriormente, y es protagonista de uno de los dramáticos relatos cortos que la conforman.

Finalmente, en 1994 Cuatro bodas y un funeral la catapultaría al estrellato. Su partenaire, Hugh Grant y la aparición estelar de Kristin Scott Thomas, hacen un elenco guapo, irónico, y bien conjuntado. Si queréis saber algo más de la cinta, lo podéis leer en la filmografía que he hecho de Kristin Scott Thomas. 

En 1996 hizo una comedia bastante mediocre y disparatada, sobre la clonación. Mi mujer, mis dobles y yo, es el experimento de un científico que clona a un Michael Keaton, para que pueda satisfacer a su esposa (Andie MacDowell), estar más por su hija y dedicarse de lleno a su trabajo. El problema es que con tantos clones actuando a su antojo, no se sabe quien es el verdadero marido, ni quien se acuesta con la esposa, o si alguien se ha percatado de la múltiple clonación. Es una película simplista, que llega a cansar con tantos personajes iguales haciendo banalidades diversas.


KIM BASINGER



KIM BASINGER

En los años 90, este mito erótico y actriz taquillera, que había empezado como sus colegas de modelo de alta costura, ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto, por su papel de prostituta, al más puro estilo Verónica Lake, en el film noir de Curtis Hanson,  L.A. Confidencial (1997). 
Es una película que mezcla el thriller policíaco y el cine negro de los años 50, pero realizada en los 90, lo que se conoce como neo-noir
La trama trata sobre unos crímenes que involucran a tres policías -grandes actores, Kevin Spacey, Kurt Russell y Guy Pearce-, a un periodista de cotilleo (Danny De Vito) y a una prostituta de un club de alterne, en la que cada profesional va caracterizada como una actriz de la época de oro de Hollywood. 
Kim Basinger que transpiraba sensualidad por los cuatro costados, el papel le vino como anillo al dedo, y fue como una especie de oasis en su carrera como actriz, ya que casi todas las películas que ha interpretado no llegan ni a un 5 de media. De hecho es la reina de los Razzies como peor actriz de los 90.

Pero nadie se perdió su streaptease y sus juegos sexuales con Mickey Rourke en Nueve semanas y media (y eso que él no la soportaba, quien lo hubiese dicho) ni su interpretación de la novia del primer Batman de la saga de los 80 (Michael Keaton), dirigida por Tim Burton, y acosada por el joker más histriónico de todos, Jack Nicholson.

Junto a Richard Gere y Uma Thurman participó en una especie de psico-thriller erótico, titulado Análisis final (1992), que nada tiene que ver con otros filmes de la misma temática (mujeres maltratadas, psiquiatras, asesinatos, abusos, doble personalidad, sexo, etc). 
No se crea el clímax de suspense que se pretende, ni engancha al espectador, ni se entiende el argumento ni a los personajes. Pero si queréis ver a la sex-symbol en plan hot con Richard Gere, entonces es la película que esperabáis.

Robert Altman le dio un pequeño papel en su Prêt-a-porter (1994) -se supone que por tener tablas en lo de ser modelo-, igual que hizo con Julia Roberts, Sophia Loren y otras sexsymbol del mundo de la moda y el cine. La película, con tantos personajes, tantas top models, diseñadores, actores, y figurantes, mezclado con un asesinato, no llega a ser la película satírica o de humor negro que el gran director de Vidas Cruzadas y M.A.S.H. habría ideado. Kim Basinger pasa desapercibida, pero sigue siendo una de las artistas más sexys de los años 80 y 90. Por cierto, fue chica Bond en Nunca digas nunca jamás (1983), junto a Sean Connery. 


UMA THURMAN



Uma Thurman

La musa de Quentin Tarantino, Uma Thurman empezó siendo modelo profesional adentrándose en el mundo del celuloide en 1988. Ese año la vi por primera vez en la película Las aventuras del Barón Münchausen (dir. Terry Gilliam), en la que aparecía como la diosa Venus, semidesnuda, con un cuerpo esbelto, muy alta y rubia, y con unos ojos azules rasgados, piel de porcelana y labios carnosos. 
Una mezcla entre inocencia y erotismo, que le valió para interpretar uno de los primeros papeles que le darían fama mundial en Las amistades peligrosas, una virginal dama de la nobleza francesa del S.XVIII, seducida por el libertino Valmont (John Malkovich). Junto a ella, otra bella actriz, Michelle Pfeiffer, de la que hablé en la pasada entrada de actrices destacadas de los años 90.  

Uma Thurman volvió a actuar con John Malkovich en Jennifer 8, un thriller sobre un asesino psicopático y una testigo que es invidente. El detective encargado de pillar al asesino es Andy García, que no podrá evitar enamorarse de la guapa cieguita, representada por Uma Thurman. Es una película que te provoca aburrimiento, a pesar de los sobresaltos, ya que la actriz no puede ver si tiene cerca al asesino, pero el espectador sí. De todas formas, es un thriller cuyo argumento se ha podido ver en otros filmes de serie B.

Después de algún que otro tropiezo, Uma Thurman consiguió el papel de su vida, en la película de culto más taquillera de uno de los directores iconos del cine contemporáneo. Pulp Fiction (1994), dirigida por Quentin Tarantino, la encumbró al puesto de las actrices más valoradas, con un éxito de taquilla de más de 107 millones de dólares. Compartiría el estrellato con John Travolta, Samuel L. Jackson y Bruce Willis, entre otros intérpretes. Obtuvo una nominación al Óscar como mejor actriz de reparto y se convirtió en una diosa para Tarantino.

Del boom de Pulp Fiction, la actriz pasó a actuar en una comedia romántica de poca monta, La verdad sobre perros y gatos (1996) en la que hacía de modelo rubia tonta y exuberante, vecina de la protagonista, una locutora especializada en animales domésticos poco agraciada (papel que realiza Janeane Garofalo). La taquilla fue cuantitativa, aunque la película está llena de tópicos típicos.

No volví a ver a Uma Thurman hasta el estreno de Batman & Robin (1997), la cuarta entrega de la saga de películas adaptadas del cómic del héroe murciélago. 
A diferencia del gran éxito de la Catwoman sexy interpretada por Michelle Pfeiffer en 1992, y de la que hablé en la anterior entrada (si os interesa la filmografía que he visto de Michelle Pfeiffer, podéis dirigiros directamente por el enlace que os dejo), el papel de malvada Hiedra Venenosa de Uma Thurman fue muy criticado e incluso se hizo escarnio de su interpretación. Algún crítico tachó de "mezcla de femineidad con el afeminamiento de un travesti" a la actuación de Thurman. En definitiva, toda la película en sí fue un disparate, con una estética y un vestuario freak, (peor que el de las serie del cómic de los años 50), unos actores que no daban la talla (Alicia Silverstone, como Batgirl, recibió el Razzie a peor actriz de reparto) y fue el final de la saga Burton/Schumacher. Está considerada una de las peores película de superhéroes de todos los tiempos.

No puedo opinar sobre Gattaca, la película de ciencia ficción que la artista interpretó junto al que sería su marido, Ethan Hawke, ya que no la he visto. Por eso, me voy a la última película en la que actuó antes de dedicarse a ser madre full-time. Me estoy refiriendo a la adaptación de Bille August de la novela de Víctor Hugo Los miserables, estrenada en 1998, y que representó una vuelta a la calidad interpretativa de la guapa actriz.


GEENA DAVIS

Geena Davis

De ser modelo en la prestigiosa marca de lencería Victoria´s Secret a ganar un Oscar como mejor actriz de reparto en una película del director Lawrence Kasdan, El turista accidental (1988), en donde Geena Davis demostraba sus dotes artísticas, realizando el papel de una mujer sencilla y óptimista, alegrándole la vida a un William Hurt aburrido y melancólico.

En 1991 Geena Davis fue escogida para hacer de Thelma, una guapa esposa maltratada por un marido machista y violento. Junto a ella, Susan Sarandon conformaría el dúo realizando el papel de Louise, en la película Thelma y Louise, dirigida por Ridley Scott
Es una de las películas más famosas y con más lecturas de los años 90. Unos la consideran un canto a la libertad, otros como una reinvidicación feminista, otros la tachan de exaltar la violencia y el uso de armas, algunos de misógina, o de dimensión lesbiana. Sea como sea, es un icono cinematográfico de la década, y ofreció a Davis una nueva nominación al oscar como mejor actriz de reparto. 

El éxito no es eterno y en 1992 vinieron dos comedias de menor trascendencia. Ellas dan el golpe (dir. Penny Marshall), en la que la actriz forma parte de un equipo de béisbol femenino en 1943, con un entrenador cínico y ebrio (papel de Tom Hanks) y unas compañeras de equipo muy "peleonas" (Madonna, Rosie O´Donell), en unos años en que los hombres estaban luchando en la guerra, y la liga de este deporte tan patriótico estaba estancada. 
La otra película que protagonizó ese mismo año es una comedia de enredo, Héroe por accidente, protagonizada principalmente por Dustin Hoffman. La actriz hacía de periodista junto con Andy García y Chevy Chase. El director es el británico Stephen Frears. 

Cuando se casó con el director Renny Harlin, éste le dio el papel principal -naturalmente- en dos de sus películas menos exitosas. En La isla de las cabezas cortadas (1995), es Morgan Adams, la hija de un pirata, que a la muerte de éste, se hace cargo de toda una tripulación de filibusteros, y se encarga de sofocar un motín, y lucha contra su oponente por un trozo de mapa del tesoro. Una excentricidad que tuvo muchas críticas y que fue un fracaso de taquilla, además de una mala prensa para Geena Davis. 

A pesar de ello, volvió a decir que sí a Harlin, interpretando un doble papel en otra de sus películas. Memoria Letal (1996), donde interpreta a una sádica mercenaria que padece amnesia, y vive como cariñosa madre y profesora de un pequeño pueblo; un día contrata a un detective (Samuel L.Jackson) que le ayudará a recordar lo que sucedió en el pasado. Lo mejor de todo es la transformación que va adquiriendo la actriz, en su comportamiento, la vestimenta, los gestos, el peinado, pasando de la buena esposa y madre a la asesina que había sido antes de perder la memoria. 
La película tuvo una elevada taquilla, pero una baja consideración por parte de los críticos. 


LIV TYLER
Liv Tyler

Además de belleza, piernas kilométricas y sensualidad, Liv Tyler lo tenía todo para poder entrar fácilmente en el mundo artístico. Un supuesto padre famoso, Steven Tyler, cantante del grupo de rock Aerosmith, y una madre modelo, le sirvieron de puerta de entrada directa al mundo del espectáculo, empezando una carrera de modelo, y apareciendo en vídeos musicales, el primero de ellos con una canción compuesta por el mismo vocalista Steven Tyler, hasta ese momento desconocido padre de la actriz. 

Dejó de ser modelo, y en 1994 hizo su aparición en la gran pantalla en un thriller de Bruce Bereford, Testigo en silencio. El filme no tuvo buena acogida por el público, pero la belleza de Liv dejó huella. 
The Wonders (1996) fue otra de las películas en las que la modelo, convertida en actriz, destacó por su juventud y su preciosa presencia. También tuvo la suerte de contar con un gran actor que en esta ocasión, se puso tras la cámara: Tom Hanks.
Ese mismo año triunfó con su papel principal de una adolescente que ha perdido a su madre, y se va a la Toscana, porque quiere saber quien es su verdaderao padre (en cierta manera, autobiográfico). Allí despertará al deseo sexual. Belleza robada, dirigida por el controvertido Bernardo Bertolucci, le dio una gran popularidad y tuvo un importante reconocimiento por parte de la crítica. 

Desde 1997 hasta finales de siglo XX, hizo alguna película más (Cookie´s Fortune, Onegin), siempre como actriz de reparto, y de éstas, solo he visto Armaggedon (1998), filme del que ya os comenté el argumento, cuando desarrollé la filmografía de Bruce Willis, que es el protagonista principal de esta cinta de ciencia ficción.


ASHLEY JUDD

Ashley Judd

Aunque no es una actriz que se haya prodigado demasiado, pertenece al grupo de modelos que en los 90 tuvieron la suerte de encontrar al poco tiempo su oportunidad de pasar a trabajar en el cine. Ashley Judd consiguió su primer papel como actriz figurante, en la serie Star Trek: La nueva generación (2 episodios, 1991). 
El reconocimiento de la crítica y del público en general le llegó con su intervención en el thriller de acción Heat (1995), dir. Michael Mann, en la que tuvo la suerte de trabajar con dos de los grandes actores de todos los tiempos: Robert De Niro y Al Pacino. Uno es el jefe de una banda criminal (De Niro) y Pacino es el polícia, que intentará frustrar los planes de un gran atraco que ha planeado su opuesto. Recuerdo una tensión violenta, cuando se enfrenta la banda con la policía, y hay fuego cruzado, y no sabes quien va a ser el primero en morir, si el criminal o el policía, o algún miembro de la banda, y quien va a resultar herido. Son unas escenas de mucho impacto. Ashley Judd hace un papel secundario, pero no obstante, el sufrimiento que pasa ya le valió buenas críticas. 
También hizo una pequeña aparición en la película independiente de Wayne Wang, Smoke, una cinta que transcurre en un estanco, en donde los protagonistas van explicando sus tristezas, anhelos, miedos y secretos al dueño, creándose un vínculo entre ellos. 

En 1997 protagonizó junto al oscarizado actor Morgan Freeman un psico thriller dirigido por Gary Fleder, que en este país se tituló El coleccionista de amantes. Un filme al estilo de El coleccionistaEl silencio de los corderos, con psicópata que rapta y colecciona mujeres jóvenes, y la presencia de una psiquiatra (Ashley Judd) que ayuda al detective (Freeman) a encontrar al perturbado sociópata, ya que ella fue una de las víctimas que pudo escapar de las garras del coleccionista de mujeres.

La última película de los años 90 que vi de esta actriz fue Doble traición (1999), nuevamente un thriller sobre una mujer acusada de cometer el asesinato de su marido, que cuando sale de prisión descubre que la muerte fue preparada metódicamente por el esposo, para quedarse con su hijo y con el dinero. A partir de ahí, su objetivo será demostrar la verdad y recuperar a su hijo. Aunque consiguió subir al puesto número uno en el ranking de taquilla de ese año, la película carece de emoción, y es bastante previsible.